C’est une question qui suscite un débat intéressant. Certains soutiennent que chaque individu possède une part de créativité, tandis que d’autres pensent que cela dépend de l’environnement et de l’éducation. Par ailleurs, la créativité peut prendre différentes formes, que ce soit dans les arts, les sciences ou les activités quotidiennes. Elle permet de penser de manière originale, de trouver des solutions innovantes et d’exprimer notre individualité. Différents facteurs, tels que notre motivation, notre curiosité et notre persévérance peuvent influencer notre capacité à développer notre créativité. C’est pourquoi la cultiver et la nourrir sont des facteurs importants afin qu’elle puisse s’épanouir.
Dans la première partie de cet article, nous explorerons donc la notion de créativité et aborderons le concept du « flow » créatif. Il met en avant l’importance de se plonger dans différentes formes d’art et de trouver ce qui nous inspire le plus. Il encourage également à explorer des sujets qui suscitent notre curiosité. Nous verrons ensuite en deuxième partie pourquoi elle est importante dans notre société et notre vie. La troisième partie ferra un parallèle entre la vie réelle et les étapes de création.

La quatrième partie se concentre sur la mise en pratique de la créativité en s’inspirant de grands artistes. Je vous proposerai donc diverses expériences qui peuvent révéler votre part artistique. Je prendrai pour exemples des artistes tels que Dali, Yayoï Kusama, Picasso, Malevitch,… La conclusion vous fournira des références d’ouvrages afin d’approfondir le sujet.

1 – L’état de « Flow » créatif

Mihaly Csikszentmihalyi, est connu pour ses recherches sur les bases psychologiques du bonheur et du bien-être dans le domaine de la psychologie positive. Il a découvert un état qu’il appelle le « flow », un état d’absorption totale dans une activité pour atteindre le bonheur. Dans cet état on est complètement absorbé par ce que l’on fait. Nous avons alors un objectif excitant et une concentration totale sur le moment présent. Pour y parvenir, il est important d’avoir un objectif clair motivant, et un défi correspondant à nos compétences. Si le défi est trop facile, l’ennui peut survenir, tandis que si le défi est trop difficile, la frustration et la démotivation peuvent l’emporter.

Tout le monde peut atteindre cet état de flow

Les personnes qui possèdent des caractéristiques telles que la persévérance, la curiosité et une motivation propre, sont prédisposées à vivre des états de concentration intense et de plaisir profond dans une activité. Cela est naturel chez l’enfant, c’est ce qui lui permet d’acquérir de nouvelles compétences et de gagner progressivement confiance en lui. Selon ce psychologue, les adultes qui garde ces qualités ont davantage de chances de vivre des expériences de flow. Ils s’engageront également dans des activités qu’il nomme autotéliques, c’est-à-dire des activités entreprises pour elles-mêmes et non pour un but externe.

Selon lui , les personnes autotéliques sont enthousiastes et pleinement engagées dans leur vie. Elles trouvent du plaisir dans l’activité elle-même et n’attendent pas de récompenses externes. Elles sont plus énergiques pour résoudre les problèmes, font face à l’échec de manière sociale et voient les crises comme des opportunités de croissance. En bref chacun de nous peut atteindre l’état de flow quand on voit le nombre d’épreuves que l’on surmonte !

2 – Pourquoi la créativité est importante dans notre société et dans notre vie

Qu’est ce qui pourrait empêcher la créativité ?

Le conformisme, l’ignorance, notre côté adulte trop sérieux ?

Un sentiment de ne pas se sentir capable, l’impatience ?

Une autre idée ?

Notre manque de créativité peut être attribué à plusieurs facteurs, tels que notre éducation, notre environnement, la peur de l’échec, le manque de temps et de disponibilité mentale, ainsi que nos propres croyances limitantes. Ces éléments peuvent entraver notre capacité à penser de manière innovante et à exprimer notre créativité de manière authentique. Néanmoins, il est important de reconnaître que la créativité est présente en chacun de nous. Elle peut se cultiver en remettant en question les normes établies, en prenant des risques et en se penchant sur de nouvelles idées.

Explorez votre créativité, osez expérimenter et créez une œuvre d’art unique qui reflète votre vision du monde. Ne craignez pas d’aller au-delà des conventions et de trouver ainsi votre propre voie artistique. Quand votre art prend vie, votre vie devient une œuvre d’art pourquoi ? Parce-que vous laissez les sensations et les émotions s’exprimer.

Attention toutefois, cette liberté ne peut véritablement s’exprimer que dans un cadre : celui du respect. Le respect de soi bien sur, mais aussi le respect des autres. Il convient alors de développer l’écoute afin d’instaurer un véritable dialogue entre deux perceptions du monde. Si vous avez quelque chose à dire, il faut l’autre pour vous écouter. Et par conséquent si l’autre à également des choses à dire, il aura besoin d’être écouté.

3 – Les étapes de création dans la vie réelle

En fait, la créativité se vie. Comme avec les enfants chez qui elle n’est pas inhibée. Regardez-les jouer simplement, loin des écrans, ils savent utiliser leur environnement (coussins, boîte en carton, rouleaux de papier absorbant,…) de façon créative et surprenante ! Pourtant elle peut être brimée, s’estomper, mais sans jamais disparaître chez les adultes.

Elle est toujours présente, prête à s’exprimer dans la façon de ranger son garage, dans le décor d’une pâtisserie, dans l’aménagement d’un jardin. Afin qu’elle revienne il faut l’exprimer, la pratiquer de façon à ce qu’elle retrouve son chemin parmi nos pensées et nos préoccupations multiples. Il est tout à fait possible de faire un parallèle entre les étapes éprouvées lors d’une création et la vie réelle.

L’Inspiration

Tout comme dans la création artistique, dans la vie réelle on peut être inspiré par des personnes, des événements ou des idées qui nous poussent à agir ou à changer. Exposez-vous à différentes formes d’art et trouvez ce qui vous inspire le plus. Explorez des sujets qui suscitent votre curiosité.

L’Imagination

Dans la vie réelle, notre imagination nous permet de concevoir des projets, d’envisager différentes possibilités et de visualiser nos aspirations et nos objectifs. Pratiquez des exercices de pensée créative comme imaginer des scénarios ou des mondes fictifs. Encouragez-vous ainsi à penser en dehors des sentiers battus.

L’Innovation

Dans la vie réelle, l’innovation se manifeste par notre désir de trouver de nouvelles solutions, d’améliorer les choses existantes et de repousser les limites pour créer un monde meilleur.

L’Expérimentation

Comme dans la création artistique, dans la vie réelle, on peut essayer différentes approches, tester de nouveaux chemins et prendre des risques pour découvrir ce qui fonctionne le mieux pour nous.

L’Expression

Dans la vie réelle, l’expression se manifeste par nos interactions, nos choix de carrière, nos hobbies et nos activités, qui reflètent notre personnalité, nos valeurs et nos aspirations.

La Transgression

Tout comme dans la création artistique, il peut être nécessaire de transgresser les règles ou de sortir de notre zone de confort dans la vie réelle pour atteindre nos objectifs ou pour faire évoluer les normes existantes.

L’Intuition

Notre intuition dans la vie réelle nous guide dans la prise de décisions importantes, en nous permettant de faire confiance à notre instinct et à notre ressenti pour choisir la meilleure voie à suivre.

Les formes

Les formes dans l’art et dans la vie réelle sont utilisées pour représenter des objets, des figures humaines, des paysages ou des concepts abstraits. Elles sont présentes dans notre environnement, comme notre corps, les bâtiments, les objets et les motifs géométriques de la nature. Elles peuvent également faire référence à des structures, des modèles ou des schémas qui organisent notre expérience.

Les couleurs

Les couleurs dans la création artistique ont un pouvoir émotionnel et esthétique. Elles symbolisent des concepts ou créent des contrastes visuels. Dans la vie réelle, les couleurs sont également omniprésentes dans notre environnement : les couleurs vives et vibrantes d’un coucher de soleil, les couleurs des vêtements que nous portons, les couleurs des objets qui nous entourent. Elles influencent notre humeur et peuvent avoir un impact sur notre perception du monde. À ce sujet vous pouvez lire « Le petit livre des couleurs » par Michel Pastoureau et Dominique Simonnet. Achetez ce livre sur Amazon.

Les textures

Dans la création artistique, les textures ajoutent de la dimension et de la richesse visuelle à une œuvre. Elles peuvent être lisses, rugueuses, brillantes, détaillées, etc. Dans la vie réelle, les textures sont omniprésentes dans notre environnement : les matériaux que nous touchons tels que le bois, le métal, le tissu, les aliments que nous goûtons, les paysages que nous parcourons. Elles apportent une sensation tactile et une variété sensorielle à notre existence.

4 – Devenez créatifs

Afin de développer ou entretenir votre créativité, exprimez-vous à travers différentes formes d’art. Inspirez-vous des techniques innovantes utilisées par de grands maîtres tels que Klein, Wassily Kandinsky, Salvador Dalí, Yayoi Kusama, Picasso, Pollock, Kazimir Malevich, Monet, Marcel Duchamp, Frida Kahlo et Doris Salcedo. Nous pouvons les admirer, certes, mais également nous en inspirer. Ils nous montrent une façon de faire, de voir. Explorez différentes formes d’art et sujets qui suscitent votre curiosité.

A – L’Inspiration

Pour expérimenter ce type de créativité, il est préférable de regarder les tableaux d’un artiste en amont. Choisissez les géométries qui vous plaisent sans être trop complexes. Étalez votre terre sans cuisson comme pour préparer une pâte à tarte puis découper des formes diverses. Pour le cadre c’est plus esthétique vous coupez des bandes ou rectangles, faites-en plusieurs de tailles différentes pour trouver la bonne composition. Puis la terre sèche, pensez au finitions à la paille de fer très très fine, soyez délicat. ensuite passez aux couleurs avec de la cohérence avec celles des œuvres dont vous vous inspirez. Une fois collée sur le fond du cadre je vous conseille de l’encadrer, c’est tout de suite prestigieux.

Wassily Kandinsky était un artiste connu pour avoir créé des peintures qui ne représentent pas des objets réels, mais qui utilisent des formes et des couleurs exprimant des émotions et des idées abstraites. Il croyait que l’art pouvait évoquer des sentiments similaires à ceux provoqués par la musique, et que les couleurs avaient des significations symboliques particulières. Kandinsky aimait expérimenter avec différentes techniques artistiques et encourageait les artistes à sortir des sentiers battus pour trouver leur propre style. Il pensait également que l’art pouvait avoir un aspect spirituel et permettre aux gens de se connecter à quelque chose de plus profond.

Dans un autre genre, j’ai tester l’artiste Klein en achetant une carte du monde en relief. Je l’ai peinte avec une reproduction personnelle de son bleu…c’est plutôt bluffant ! Le plus dur est de faire un bleu s’approchant de son IKB. Je vous propose de lire ou d’écouter le podcast « Yves Klein un visionnaire de l’art et de la couleur ». Cette inspiration évolue d’ailleurs avec le temps, c’est aussi ça une œuvre : des surprises.

B – L’Imagination

Vous pourriez avec de l’argile sans cuisson vous essayer à faire des formes comme une bouche et un nez. Vous pourriez ensuite les multiplier et les peindre de couleurs différentes afin de faire une composition sur le même tableau. Une petite planche en bois peinte, agrémentée de formes géométriques, de petits serpentins en terre par exemple, ou alors faites de petits objets. Regardez autour de vous et plongez littéralement dans l’univers du rêve. Les proportions et la répétition n’ont alors plus de sens. Testez et voyez ce qui vous amuse.

Salvador Dalí était un artiste surréaliste célèbre pour ses peintures étonnantes qui montrent des choses étranges et fantastiques. Il aimait explorer les idées de l’imagination et de l’esprit et les représentait dans ses œuvres d’une manière unique. Ses tableaux, souvent remplis de symboles mystérieux, avaient un sens caché. Dalí avait une façon spéciale de représenter la réalité avec une touche fantaisiste et bizarre. Il utilisait sa peinture pour explorer les rêves, les émotions profondes et les côtés cachés de notre esprit. Son travail était très détaillé et précis, le rendant encore plus captivant. Ses peintures inspirent toujours de nombreux artistes et nous invitent donc à rêver et à imaginer des choses incroyables.

C – L’Innovation

Familiarisez-vous avec les techniques et les matériaux traditionnels, puis expérimentez avec de nouvelles méthodes et matériaux. Explorez les possibilités de combiner différentes techniques pour créer quelque chose de nouveau.

Rien de plus fou et de plus simple : utilisez la manière aborigène ! Préparez au préalable un fond, en terre de Sienne ou pourquoi pas un bleu ciel. Puis avec patience dessinez des formes d’animaux stylisés au crayon à papier très légèrement ou avec un modèle jusqu’à remplir l’entièreté de votre toile. Commencez à remplir les formes avec de petits points de peinture à l’aide d’un pinceau fin ou d’une pointe en bois. Alternez la taille des points dans une forme et les couleurs d’une forme à l’autre. Vous obtiendrez ainsi un sujet représenté uniquement à l’aide de points.
Yayoi Kusama est une artiste connue pour son exploration de l’infini à travers la répétition de motifs et la multiplication de formes. Elle crée des installations immersives, utilise des motifs tels que des pois et des rayures. Découvrez l’artiste dans l’article « Yayoi Kusama et son art pop, un voyage excentrique »+. Son art repousse les limites traditionnelles en combinant de manière audacieuse différentes techniques et en invitant les spectateurs à explorer de nouvelles perspectives.

D – L’Expérimentation

Ne craignez pas de faire des erreurs. Essayez de nouvelles techniques, de nouveaux matériaux et de nouvelles approches. Soyez vous-même et croyez en votre voix artistique unique. Ne vous comparez pas aux autres, mais concentrez-vous sur la création d’œuvres d’art qui reflètent votre personnalité et votre vision du monde. Apprenez des échecs autant que des réussites.

Vous pourriez associer le tableau et le volume. Chacun se répond. Ici j’ai moulé un visage de statue que j’ai ensuite coupé en bloc puis patiné en noir et feuille d’or, un autre est patiné en bleu avec de la feuille d’argent. Créez un petit visage puis fixez-le une fois sec de façon définitive ou bien de façon ponctuelle. Cela peut être un objet particulier que vous reproduisez, une feuille de ginkgo ou de chêne . À vous de choisir les couleurs, les formes, les motifs de simples à plus compliqués. Vous trouverez plus de détails sur la patine dans l’atelier « Patiner ma sculpture : comment faire une dorure à la feuille d’or ». Pour le moulage de la statuette c’est dans l’atelier « Comment reproduire une sculpture avec votre moule ».

Pablo Picasso décompose les formes en fragments géométriques et les représente simultanément sous différents angles, créant ainsi une perspective multiple. Cela donne aux œuvres une apparence abstraite et complexe. En plus du cubisme analytique, Picasso a également exploré le cubisme synthétique. Dans cette approche, il a incorporé des éléments tridimensionnels, tels que des objets trouvés et des collages, dans ses peintures. Ces techniques ont permis d’introduire de la texture, de la profondeur et une dimension sculpturale dans ses œuvres. écoutez ce podcast sur l’artiste « Un Picasso fantastique et terrifiant tout entier tourné vers l’art ».

En dehors du cubisme, Picasso a également expérimenté d’autres techniques telles que le collage, le frottage et la technique du monotype. Il a utilisé des matériaux non conventionnels comme le sable, le goudron et la toile de jute pour ajouter de la texture et du relief à ses peintures. Il a créé des sculptures en jouant avec les formes et les proportions, parfois en déformant délibérément les figures pour exprimer des émotions ou des idées abstraites.

E – L’Expression

Exprimez vos émotions et votre vision personnelle à travers votre art. Ne vous limitez pas à ce qui est conventionnel, mais laissez-vous guider par votre propre voix artistique.

Essayez donc la peinture gestuelle. Cette expérience artistique demande tout de même un peu de préparation comme étendre une bâche en plastique ou se mettre à l’extérieur. Puis projetez votre peinture à l’aide d’un pinceau très chargé. De façon plus réduite soufflez à l’aide d’une paille sur une tâche de peinture. Ou alors, à l’aide d’une brosse à dent faites de petites projections de peinture en frottant votre pouce. Utilisez par exemple une carte en plastique dur (ancienne carte de fidélité) pour racler la peinture ou l’étaler. Faites ainsi un monochrome (une seule couleur) ou un polychrome (plusieurs couleurs). C’est libérateur et très amusant.

Jackson Pollock croyait en la spontanéité et l’action physique lors de la création artistique avec l’expressionnisme abstrait. Il a développé la technique du « dripping », consistant à faire goutter de la peinture sur la toile. Pollock travaillait sur de grandes toiles posées à même le sol. Cela lui permettait de marcher autour et de travailler de tous les côtés. À l’image de « Number 1 » en 1950, son travail se caractérise par des gestes peints énergiques et spontanés, exprimant ses émotions et son état d’esprit. Il encourageait les artistes à exprimer leur vision personnelle sans limites conventionnelles.

F – La Transgression

Ne soyez pas limité par les règles normatives de l’art. Osez sortir des sentiers battus et explorez des concepts ou des idées qui vont à l’encontre des conventions.

J’ai réalisé il y a plusieurs années une reproduction de « La femme à l’Hermine » par Léonard de Vinci. Pour la moderniser, j’ai peint de petits carrés de couleur en transparence. À votre tour, choisissez une œuvre, sculpture, tableau réaliste ou abstrait, toile vierge, sur laquelle vous pourriez écrire ou dessiner des motifs. Des mots, motifs qui dérangent ou non, subversifs ou pas. Armé de votre feutre indélébile de qualité, de la couleur de votre choix, en or par exemple, demandez-vous : quel message je veux faire passer.

Marcel Duchamp a développé des techniques artistiques révolutionnaires, telles que l’utilisation d’objets trouvés (readymade), le détournement d’objets existants et l’art conceptuel. Son œuvre emblématique « Fontaine », un urinoir signé et présenté comme une œuvre d’art, remet en question les critères esthétiques traditionnels en élevant des objets du quotidien au rang d’œuvres d’art. Il encourage ainsi la reconsidération des notions de beauté et de valeur artistique. Duchamp a aussi utilisé le détournement en réarrangeant des objets existants pour leur donner une nouvelle signification. Par exemple dans l’œuvre « L.H.O.O.Q. », il a ajouté une moustache à la Joconde !

G – L’Intuition

Faites confiance à votre instinct artistique. Ne réfléchissez pas trop, mais laissez vos émotions et votre intuition vous guider dans votre processus créatif.
Prenez une photo de vous ou de quelqu’un que vous aimez, ensuite agrémentez ce portrait de couleurs très vives, de collages. Faites plusieurs essais et quand vous êtes satisfait, recommencez et soyez différent. Une autre possibilité : découpez la silhouette de personnes que vous aimez. Ensuite vous les superposer ou les décaler et peignez de couleurs différentes les interstices. Par exemple dans cette œuvre, j’ai rassemblé les mains de 5 générations de femmes, de ma Grand-Mère à ma petite-fille.

Frida Kahlo utilisait les autoportraits pour exprimer ses émotions et son identité, en les accompagnant souvent de symboles iconiques représentant sa culture mexicaine. Ses œuvres étaient caractérisées par l’utilisation de couleurs vives, qui renforçaient l’intensité émotionnelle. Elle incorporait des symboles de la culture mexicaine tels que des animaux, des plantes et des objets traditionnels pour évoquer des idées de douleur, de féminité et d’identité. Inspirée par le réalisme magique, elle intégrait des éléments fantastiques et surréalistes pour ajouter une dimension symbolique et onirique à ses tableaux.

H – Formes

Observez attentivement les formes dans le monde qui vous entoure. Expérimentez avec des formes géométriques ou organiques dans vos œuvres d’art, soyez audacieux. Trouvez des planches de bois ou petites toiles pour vous offrir un triptyque avec un peu de couleur noir, rouge, et or. Faites ainsi des formes géométriques simples que vous aimez, juste deux ou trois par tableau. Ensuite composez avec votre palette de couleurs, soyez minimaliste car ce sont les formes que vous mettrez en avant.

Kasimir Malevitch était un artiste russe pionnier de l’art abstrait et du suprématisme. Il utilisait des formes géométriques simples, le carré, le cercle, dans des compositions équilibrées sur des toiles à fond blanc. Il recherchait la pureté géométrique et l’expression spirituelle à travers ses œuvres, souvent en utilisant des couleurs vives ou des compositions monochromatiques par exemple « Carré noir sur fond blanc » de 1915. D’une abstraction totale, son travail a influencé l’art abstrait du 20ème siècle et continue d’inspirer de nombreux artistes contemporains.

I – Couleurs

Apprenez la théorie des couleurs et explorez alors l’effet qu’elles peuvent avoir sur une œuvre d’art. Rien de plus passionnant que d’expérimenter en mélangeant différentes couleurs pour obtenir des nuances et des contrastes. Choisissez de belles couleurs avec de la peinture acrylique ou de la peinture à l’huile et faites des bandes de dégradés. Ensuite revenez entre les bandes avec des couleurs encore plus claires pour qu’elles se fondent ensemble. Pas besoin donc d’être un grand maître.

Monet utilisait des coups de pinceau rapides et courts pour donner une impression de mouvement et de lumière. Au lieu de mélanger les couleurs sur sa palette, il les appliquait directement sur la toile, ce qui créait un effet visuel de mélange lorsque l’on regardait de près. Monet était obsédé par la façon dont la lumière changeait au cours de la journée, il utilisait donc différentes couleurs pour montrer ces variations. Il aimait peindre directement dans la nature pour capturer les couleurs et les lumières réelles.
Monet peignait en outre plusieurs fois le même sujet pour montrer les changements à différents moments de la journée ou de l’année.

J – Textures

Explorez différentes techniques pour créer des textures dans vos œuvres, comme l’utilisation de couteaux à peindre, de collages, d’empâtements ou de gravures. Achetez de la terre sans cuisson et laissez vous aller à l’expérience. Sans pression vous utilisez tout ce qui vous tombe sous la main. L’idée d’ailleurs, c’est de faire des tests plus différents les un que les autres. Dans l’atelier « Donnez vie à vos créations : Techniques d’empreintes et de textures » vous trouverez des techniques simples et accessibles pour créer vos textures.

Doris Salcedo utilise l’empilement d’objets pour mettre en évidence les problèmes sociaux et politiques. Elle fusionne des objets pour créer de nouvelles formes et significations. L’artiste utilise des fils ou des chevilles métalliques pour suturer des objets ensemble symbolisant la guérison ou les cicatrices. De même elle incorpore des matériaux organiques pour ajouter une dimension personnelle et émotionnelle. En plaçant ainsi des objets du quotidien dans des contextes inhabituels, elle invite le spectateur à repenser leur signification et à réfléchir aux problèmes sociaux qu’ils représentent.

5 – Conclusion : nous avons une âme d’artiste

Familiarisez-vous avec les techniques traditionnelles, puis expérimentez avec de nouvelles méthodes et matériaux pour innover. Ne craignez pas les erreurs, mais apprenez d’elles autant que des réussites. Explorez ainsi l’expression de vos émotions et de votre vision personnelle à travers votre art. Observez attentivement les formes du monde qui vous entoure et expérimentez avec des formes géométriques ou organiques. Apprenez la théorie des couleurs et explorez leurs effets sur vos œuvres. Ne soyez pas limité par les règles normatives de l’art, mais osez transgresser les conventions. Faites donc confiance à votre intuition artistique et laissez vos émotions vous guider. Explorez différentes techniques pour créer des textures dans vos œuvres.

Pour développer votre créativité, utilisez l’abstraction, l’imagination, l’innovation, l’expérimentation, l’expression, l’intuition ou la texture, osez toutes ces techniques et découvrez donc votre propre style artistique unique. Laissez vos créations refléter qui vous êtes et vous connecter ainsi à quelque chose de plus profond. Inspirez-vous des grands artistes et de leurs théories artistiques, sans pour autant vous comparez à eux et entretenez cette créativité. Soyez vous-même et croyez en votre voix artistique unique. Finalement, osez tout et créez des œuvres d’art qui captivent, inspirent et expriment votre vision du monde.

Des références d’ouvrages

Je vous propose quelques références littéraires pour approfondir le sujet :

« La créativité – Psychologie de la découverte et de l’invention » de Mihaly Csikszentmihalyi

Ce livre explore le processus de création en se basant sur une étude menée auprès d’individus créatifs. L’auteur examine la vie de ces créateurs et met en avant l’importance de leur créativité pour la culture et la qualité de vie. Il présente également des exemples de créateurs exceptionnels dans différents domaines et souligne l’importance de combiner les connaissances et les expériences pour favoriser l’innovation. Enfin, il offre des suggestions pour développer la créativité personnelle et améliorer la vie quotidienne. Achetez ce livre sur Amazon.

« Comme par Magie » de Elizabeth Gilbert.

Elizabeth Gilbert écrit sur la créativité et encourage à se lancer dans une aventure artistique. Retrouvez ici un article sur cet ouvrage. Elle remet en question les idées reçues sur le processus de création et encourage à développer sa confiance en soi. L’auteure souligne également l’importance de prendre du plaisir dans la création plutôt que de se concentrer sur le résultat final. Elle aborde également le concept de l’artiste génie et encourage à partager ses créations sans rien attendre en retour. Elizabeth Gilbert insiste sur le fait que le désir de créer n’est pas une malédiction. Elle encourage à entretenir une relation avec l’art. En fin de compte, elle dit que la meilleure façon de révéler ses trésors intérieurs est de travailler avec ses limites et ses peurs. Achetez ce livre sur Amazon.