Au début du 20ème siècle, des artistes tels que Pompon, Brancusi et Picasso ont ouvert de nouvelles perspectives dans l’art animalier. Leur créativité invite à réexaminer notre place dans le monde et notre responsabilité envers les animaux qui partagent notre environnement. Ces artistes ont exploré les relations entre l’humain et l’animal dans des œuvres qui captent l’essence même des créatures vivantes.
François Pompon cherchait à capturer le mouvement et l’attitude des animaux dans l’action. L’essence animale dans des formes simples. Constantin Brancusi, quant à lui, explorait l’épure et le mouvement des animaux à travers des sculptures. Il cherchait à isoler la courbe dynamique du mouvement des animaux, affirmant ainsi les puissances vitalistes de la forme.
Picasso, inspiré par l’art primitif, a également exploré le lien entre l’homme et l’animal à travers ses sculptures. Il utilisait des matériaux variés pour représenter ces animaux de manière réaliste, mettant alors en lumière l’importance de la relation entre l’homme et l’animal dans son art.
Le courant surréaliste, incarné par des artistes comme Salvador Dali, Frida Kahlo, Max Ernst, a également exploré les relations entre l’homme et l’animal d’une manière fantastique et intrigante. Les animaux ont ainsi été utilisés comme symboles pour explorer les profondeurs de l’inconscient et remettre en question la réalité.
Au fil du temps, des artistes contemporains tels que les Lalanne, Caitlin T. McCormack, Rafael Gómezbarros et Kiki Smith continuent cette exploration à travers des œuvres créatives et originales. Leurs créations offrent une perspective unique sur la nature et sa diversité. Elles invitent le spectateur à réfléchir sur notre place dans le monde et notre connexion avec les êtres vivants qui nous entourent.
Atteindre la simplicité dans l’art animalier
François Pompon : Sculpter l’essence animale
Dans le vaste panorama de la sculpture du 20ème siècle, François Pompon cherche à exprimer des formes pures. Inspiré par l’esthétique japonisante et l’art égyptien, l’artiste se montre fasciné par les animaux sacrés. Il cherche à capturer leur mouvement et leur attitude dans l’action. Il fonde en 1927 le Salon des animaliers contemporains. Son œuvre la plus célèbre, « Ours Blanc » exposée au musée d’Orsay à Paris, met en lumière sa vision artistique. À travers des sculptures comme son canard sur l’eau, qui évoque le phoque de Brancusi, Pompon développe une approche qui capture l’essence et la forme globale des animaux. En effet, l’artiste se concentre sur leur aspect dans la lumière plutôt que sur les détails minutieux. Sa technique consiste alors à saisir le mouvement et la vie des animaux, en les représentant sans creux ni ombres.
Le fruit de ses recherches
Cette méthode, affinée au fil des ans, lui permet d’obtenir une netteté et une clarté dans ses sculptures. Elles semblent ainsi être un découpage précis dans la lumière, reflétant à la fois le mouvement et la vie de l’animal. Ses œuvres sont le résultat d’une synthèse entre le mouvement et la vie animale. L’espèce est délimitée par une ligne continue et harmonieuse. Pour lui, la sculpture doit être dépourvue de détails inutiles et d’ombres superflues. Elle laisse ainsi ressortir l’éternité et la beauté intemporelle des formes animales. Les animaux de Pompon ne sont pas sur le qui-vive. On dit qu’ils sont naturellement des « bêtes du Bon Dieu, sans frayeur ». Découvrez l’artiste dans l’anecdote « François Pompon : force et douceur unique de la sculpture animalière ».
Constantin Brancusi : Capturer l’épure du mouvement animalier
« Je ne fais pas des oiseaux, je fais des vols », disait le sculpteur.
Brancusi, dans ses sculptures animalières, exprime une recherche constante de l’épure et du mouvement. Il multiplie les versions de ses œuvres en adoptant différents matériaux et en modifiant leurs dimensions. L’artiste cherche à isoler la courbe dynamique du mouvement des animaux, affirmant ainsi les puissances vitalistes de la forme. Malgré cela, Brancusi affirme que ses animaux ne sont pas des représentations littérales, mais des symboles.
Ses œuvres révèlent une dimension totémique, marquée par une inspiration mythique. Ses créatures telles que « L’Oiseau dans l’espace » et « Poisson » captent la lumière et le mouvement de manière unique, reflétant sa quête artistique. En effet, dans son atelier, Brancusi sculpte pingouins, poissons, coqs, oiseaux, phoques, cygnes, tortues. Il adopte des matériaux variés tels que le marbre, le plâtre, le bois ou le bronze. L’artiste veut représenter la vitalité et le mouvement de ces animaux avec une simplicité et une élégance unique. Découvrez l’artiste dans l’anecdote « Brancusi : la recherche de la sculpture absolue et pure ».
Picasso : Une exploration artistique de l’Homme-Animal
Picasso se questionnera également sur le lien entre l’homme et l’animal à travers son constant désir de renouvellement artistique. Inspiré par l’art primitif, il crée des sculptures telles que la « Tête de Taureau », « La Guenon et son petit », et « la Chèvre ». Il utilise des matériaux variés pour représenter ces animaux de manière réaliste.
Le « Minotaure » devient une figure centrale dans son œuvre, examinée à travers des estampes offrant ainsi un regard nouveau sur ses créations. Ce questionnement sur la nature et la mythologie antique met en lumière l’importance de la relation entre l’homme et l’animal dans l’art de Picasso. La « Tête de Taureau », créée à partir d’une selle de vélo en cuir et d’un vieux guidon rouillé, reflète la capacité de l’artiste à transformer et redonner vie a des objets abandonnés. L’artiste réalise onze dessins du taureau par un processus soustractif. Cela démontre son approche rigoureuse de l’art en passant du naturalisme initial à une quasi abstraction. Découvrez l’artiste dans l’anecdote « Un Picasso fantastique et terrifiant tout entier tourné vers l’art ».
La relation homme-animal dans l’art animalier
L’art animalier explore les différentes facettes de la relation entre l’homme et l’animal. Pour cela différentes formes artistiques telles que le naturalisme, le symbolisme, la stylisation et l’hybridation, sont utilisées. Le courant des surréalistes n’y échappe pas. Ce courant intellectuel, littéraire et artistique entre 1919 et 1924 a marqué les mémoires. Ce mouvement compte parmi ses représentants des artistes comme Salvador Dali, Frida Khalo, Max Ernst,…
Max Ernst : L’animal dans l’imaginaire et le fantasme
La présence de l’oiseau dans l’art de Max Ernst est le reflet d’une relation complexe entre l’homme et l’animal. Chez l’artiste les frontières entre les deux semblent s’estomper. L’oiseau devient son alter ego, symbolisant sa propre transformation et son identification à une créature capable de métamorphoses infinies. Cette fascination pour les oiseaux trouve également ses sources dans l’admiration de l’artiste pour la culture amérindienne. Les Hommes-oiseaux y occupent une place prépondérante comme sur l’Île de Pâques. Ainsi, à travers ses œuvres, Max Ernst explore les notions de hybridité, d’androgyne et de mystère. Il crée ainsi une atmosphère à la fois troublante et fascinante. Découvrez un peu plus l’artiste dans l’anecdote « Max Ernst, un regard surréaliste unique ».
Frida Kahlo : La puissance des animaux tutélaires
Frida Kahlo dit peindre sa réalité, pas ses rêves. André Breton la considère comme une représentante exotique du surréalisme. Ses autoportraits montrent souvent sa relation avec ses animaux tutélaires. Le singe par exemple pourrait être son double totémique, symbolisant la joie et la danse. Ces animaux l’ont aidée à exorciser la fatalité et à se connecter à un monde symbolique riche en légendes pré-hispaniques. Cela a nourrit son identité face à la culture occidentale.
Elle considérait les animaux comme ses compagnons. Souvent présents dans ses autoportraits, ils symbolisent la force, la résilience et la protection. Les animaux familiers étaient considérés comme des idoles dans la civilisation précolombienne. Nous pouvons voir ici son attachement à ses racines culturelles et son « indianité ». Ses autoportraits avec des singes, des perroquets, des chiens ou des oiseaux évoquent la relation étroite qu’elle entretenait avec ces animaux. Cela évoque aussi les thèmes de la souffrance, de la fatalité et de la nature sauvage. Ces animaux, sources d’inspiration et de réconfort, représentaient aussi témoins de sa lutte intérieure et de sa quête de sens.
Salvador Dali et les animaux : Explorations surréalistes du subconscient
Les animaux ont toujours occupé une place importante dans l’œuvre de Dali. Que ce soit comme symboles, sources d’inspiration ou compagnons de vie. Leur présence dans ses peintures et sculptures permet d’explorer le subconscient et de remettre en question la réalité. Ils permettent également de défier les conventions sociales. Les fourmis par exemple symbolisent la mortalité, les éléphants la force et la mémoire, les homards…l’érotisme.
Les animaux de compagnie de Dali, tels que l’ocelot Babou ou le fourmilier Toro, incarnent également cette dimension surréaliste et intrigante de son univers artistique. Les animaux, réels ou fantastiques, invitent le spectateur à plonger dans un monde où la frontière entre rêve et réalité est floue. Nous est ainsi révélé les complexités de la psyché humaine. Découvrez en plus sur l’artiste dans l’anecdote « Sensationnel Salvador Dali, le surréaliste par excellence ».
Louise Bourgeois : l’araignée, symbole de maternité et de créativité féminine
Lorsqu’on explore l’œuvre de Louise Bourgeois, on est inévitablement confronté à ses araignées monumentales. Elles semblent toutes droit sorties des cauchemars les plus sombres ou des films les plus terrifiants. À la fois inquiétantes et attirantes, cette créature joue un rôle symbolique important dans son travail artistique, basé sur la mémoire, l’émotion et la réactivation des souvenirs d’enfance. Pour l’artiste, l’araignée, créature souvent mal comprise mais puissante, représente la figure maternelle, la protection, et la créativité féminine. En l’utilisant elle explore les thèmes de la maternité et de la féminité, avec un aspect symbolique de l’héritage familial. Découvrez l’artiste dans l’anecdote « Louise Bourgeois artiste…et fille de l’araignée ».
Les êtres hybrides de Germaine Richier
L’artiste renouvelle la figure humaine en créant des êtres hybrides fascinants. Son intérêt pour les insectes et les animaux méprisés se manifeste notamment dans des œuvres telles que « Le Crapaud » et « La Sauterelle ». Les créatures qu’elle sculpte semblent prises en pleine métamorphose. Elle capture l’attention de ses visiteurs par leur aspect à la fois humain et animal. Par exemple « La Mante », grande, avec son long cou scarifié et sa tête triangulaire étrange, renvoie directement à l’imaginaire surréaliste. Cette exploration du monde animal se retrouve également dans ses œuvres graphiques. Les eaux-fortes réalisées pour le recueil de poèmes « Contre terre » en sont une représentation. En créant des êtres mi-femme, mi-animal, Germaine Richier invite le spectateur à réfléchir sur la frontière entre l’humain et le non-humain. Elle offre ainsi une perspective unique sur la nature et sa diversité. Découvrez l’artiste dans l’anecdote « Germaine Richier, intense sculptrice de son temps ».
L’art animalier pour explorer notre humanité
Les Lalanne : La sculpture meuble domestiquée
Les créations originales des Lalanne sont caractérisées par un univers animalier et végétal unique. Elles ont été développées sur une période de plus de soixante ans, entre 1966 et 2019. Leur approche associe humour et une certaine distance vis-à-vis du monde animal. Le couple mêle parfois des éléments gigantesques de mammifères avec des objets utilitaires bon marché d’époques antérieures. Leurs créations incluent un Bar aux autruches, un secrétaire intégré dans un rhinocéros, un Poisson-paysage,…
La fascination de François-Xavier pour les formes animales a commencé dans son enfance, avec des dessins d’animaux qu’il voyait au zoo. Ses influences artistiques incluent Brancusi et Pompon. François-Xavier se distingue par des lignes épurées qui contrastent avec le style plus baroque de Claude Lalanne. Son travail de gardien au Louvre renforce son intérêt pour les formes sculpturales. Il est attiré particulièrement par celles de l’Égypte antique, de la Mésopotamie et de Rome.
Des moutons de laine à chevaucher
Les Lalanne brouillent les frontières entre art et artisanat en créant des moutons de laine qui sont à la fois des œuvres d’art, des meubles et des objets utilitaires. La sculpture doit être tangible et accessible, ainsi ses célèbres moutons que chaque spectateur peut également « chevaucher ». La laine véritable confère aux sculptures une chaleur et une réalité palpable, évoquant les sculptures africaines animées par des poils ou des cheveux. Ces œuvres peuvent sortir le spectateur de sa zone de confort. Avec humour, il fait référence à l’histoire d’Ulysse et de Polyphème, utilisant ses sculptures comme une intrusion artistique. Pour lui, amener un troupeau de moutons dans un grand salon était à la fois envahissant, amusant et un clin d’œil à la campagne. C’est une expérience intrigante et fonctionnelle.
Cela renoue avec l’essence tactile de la sculpture et invite le spectateur à interagir avec l’œuvre. Cette fusion crée un parcours narratif enchanteur, où l’on redécouvre avec émerveillement la richesse décorative de l’art animalier. Ils explorent un bestiaire fantaisiste invitant les spectateurs à rêver éveillés devant leurs œuvres. Découvrez ce couple d’artistes dans l’anecdote « Les Lalanne, un couple du design et de la sculpture ».
Kiki Smith : Exploration de la dualité humain-animal
L’artiste américaine Kiki Smith place l’animal au cœur de son travail. Elle met en lumière la relation entre l’homme et l’animal, notamment à travers des femmes surgissant du ventre de loups. Elle explore cette dualité rappelant des contes traditionnels tels que celui du Petit Chaperon Rouge. Smith explore les contrastes entre la clarté et l’obscurité, de la nature apprivoisée à la sauvagerie animale. Elle s’aventure dans le monde de la nuit où plaisir et peur se mêlent. À travers ses créations en porcelaine, l’artiste associe des fillettes à des animaux. Cela créant des scènes étranges et poétiques évoquant l’univers fantastique d’Alice au pays des merveilles.
Son travail offre une réflexion profonde sur la relation entre l’homme et l’animal, explorant sans détour la notion de bestialité présente au plus profond de l’humanité. Mais son loup nous connecte à notre force spirituelle et à notre inconscient, découvrant ainsi les mystères de l’univers et les lois de la nature. L’artiste exprime le désir d’être absorbé par la nature pour échapper à l’ego et à l’individualité, cherchant une évasion face à l’épuisant processus d’identification constante. Découvrez l’artiste dans l’anecdote « Kiki Smith l’artiste avec un univers entre fantastique et culture populaire ».
Jeff Koons : Entre symboles simples et concepts complexes
Koons explore des symboles simples et ludiques pour aborder des concepts complexes. Par exemple « Lobster » la sculpture du homard suspendu par la queue de Jeff Koons évoque des thèmes de captivité, de vulnérabilité. Elle peut également faire écho à des figures historiques suspendues par les pieds. Cette posture crée une tension visuelle et symbolique.
Ses « Balloon Dog » appartiennent à sa série renommée « Célébration », composée d’objets festifs très brillants et laqués. S’inspirant des ballons vus lors des fêtes et des anniversaires, ces créations rendent hommage à ces symboles de joie et de fugacité. Alors que certains applaudissent la qualité technique et la joyeuseté de ses œuvres, d’autres critiquent le manque de profondeur de l’artiste le qualifiant de superficiel.
Pour certains observateurs, Koons parvient à représenter le paysage mental de l’Occident contemporain en mettant en lumière les désirs, les marchandises et les images de notre société capitaliste qui abandonne ces objets comme on abandonne les animaux avant les vacances. Les créations de Koons se caractérisent par leur éclat ostentatoire et leur attrait délibérément séduisant et nuisible, rappelant la séduction d’une boîte de bonbons multicolores. Découvrez l’artiste dans l’anecdote « Jeff Koons : un artiste Neo Pop Art flamboyant et controversé ».
Rafael Gómezbarros : Les fourmis géantes de la protestation civique
Né en Colombie en 1972, Rafael Gómezbarros est un artiste renommé pour ses sculptures animalières, en particulier ses sculptures de fourmis de taille imposante. L’une de ses œuvres les plus emblématiques est « Casa Tomada », où des centaines de sculptures de fourmis de 50 centimètres de long envahissent des bâtiments et des espaces d’exposition. Cette installation visuellement frappante symbolise une protestation civique contre les injustices bureaucratiques. Présentée à la galerie Saatchi de Londres, Elle apparaît également sur des bâtiments historiques et politiques en Colombie. À travers ces sculptures d’animaux, Gómezbarros explore les thèmes de la lutte sociale, du dur labeur et des hiérarchies complexes, démontrant ainsi la puissance de l’art dans la sensibilisation et l’activisme.
Caitlin T. McCormack : l’art délicat du crochet animalier
Les squelettes crochetés de McCormack sont d’une beauté étrange, élevés au rang d’art grâce à son talent et son savoir-faire. Avec seulement du coton blanc fin et un crochet, elle parvient à créer des sculptures spectaculaires. McCormack puise son inspiration dans les générations d’artisans qui l’ont précédée. Les squelettes qu’elle réalise, en particulier ceux d’oiseaux, sont un hommage à ses deux grands-parents. Pour faire face au chagrin elle a décidé d’utiliser son fil pour créer des formes inspirées, des oiseaux avec « Caiiitiitt » ou « Aequalis », des poissons avec par exemple « Mansion Of Prodigies », qu’elle a ensuite rigidifiées avec de la colle.
Elle passe du temps à visiter des musées pour examiner des spécimens en personne et étudier des photos, avant de dessiner les squelettes de mémoire. Elle cherche à ce que son travail ressemble quelque peu, mais pas exactement, aux créatures sur lesquelles il est basé. Ses œuvres sont exposées sur des bases en bois, recouvertes de dômes en verre. Un travail de mémoire et d’émotions.
L’art animalier entre beauté et éthique
Au fil de l’évolution de l’art, la représentation des animaux a joué un rôle majeur dans l’exploration des relations entre l’homme et le monde animal. De Pompon à Picasso, de Brancusi à Dali, les artistes ont utilisé les formes et les mouvements des animaux pour exprimer des concepts complexes et établir des liens émotionnels entre l’homme et les autres êtres vivants.
Les artistes contemporains, tels que les Lalanne, Caitlin T. McCormack, Rafael Gómezbarros et Kiki Smith, continuent cette exploration en apportant des perspectives uniques et novatrices sur la nature profonde de cette relation. Leur travail met en lumière la diversité du règne animal et la nécessité de préserver notre environnement naturel pour maintenir cette connexion vitale entre l’homme et la nature.
En plongeant dans les mystères et les merveilles de la nature, les artistes nous invitent à réfléchir sur notre place en tant qu’espèce sur cette planète et sur notre rôle en tant que gardiens de la biodiversité et du bien-être animal. L’art animalier nous rappelle la beauté, la fragilité et la diversité du règne animal, nous encourageant à cultiver un sentiment de respect, de responsabilité et de compassion envers toutes les créatures vivantes qui partagent notre monde. Mais tout en continuant d’inspirer et de sensibiliser, des questions complexes d’éthique et de traitement se posent quant à l’utilisation d’animaux dans l’art. Quelle est notre perception du monde qui nous entoure ?